Mostra SP – Parte 9

Alois Nebel (Idem, República Tcheca, 2012)

Dir: Tomás Lunák

“Parece que uma neblina me cobre às vezes”. Essa é a sensação do protagonista que dá nome a essa animação tcheca, observando a vida e lembrando o passado a partir da estação de trem em que trabalha. Numa cidade entre a Polônia e Tchecoslováquia, no fim da década de 80, o som agudo da chegada do trem, junto com suas luzes e fumaças, são o estopim da viagem no tempo e nos delírios do protagonista, tornando Alois Nebel um filme memorialístico e onírico.

É também um filme cheio de dor. Emana dali uma melancolia que toma toda a projeção, não há quase nenhuma graça durante o filme, tudo é muito pesaroso. É aí que a narrativa se arrasta por uma história que precisa ter muito de condescendente para fazer tudo soar emotivo e triste, principalmente quando o passado da Segunda Guerra Mundial faz o protagonista rememorar traumas familiares daquele tempo.

Muito dessa atmosfera vem do uso intenso de uma fotografia em preto-e-branco, muito bem explorada no contraste de luz e sombras. No fundo, o filme é muito mais um deslumbre visual do que narrativo, cercado por essa tristeza imanente à história. Como primeiro filme de uma trilogia baseada numa história em quadrinhos, Alois Nebel poderia ser um começo melhor, mas abre brechas para uma evolução nos próximos capítulos.

Era uma Vez Eu, Verônica (Idem, Brasil, 2012)

Dir: Marcelo Gomes  

Verônica está em crise. Médica psiquiatra recém-formada, não sabe exatamente se aquela profissão lhe realiza; não é de se apaixonar por ninguém, preferindo a liberdade amorosa e sexual, sem amarras; a idade pesa cada vez mais e ela ainda sem um rumo na vida; o pai, a única família que tem, já sente os últimos dias. É o tipo de história sensível e muito particular que Marcelo Gomes consegue conduzir tão bem, como visto no ótimo Viajo Porque Preciso Volto Porque Te Amo. Mas aqui, não se tem a mesma mão acertada.

Era Uma Vez Eu, Verônica possui todo esse clima melancólico de indefinição de vida, reforçando o conflito interior da protagonista. O maior entrave, no entanto, é que gira ao redor dessa mesma ideia, tentando reprocessá-la a todo instante, sem algo mais a se deter. Daí que o diário que a protagonista mantém, registrando sua própria fala num gravador (como uma médica agora tomando o lugar da paciente em “análise”), soa como um artificio pobre e redundante, pois expressa interiormente o que já percebemos e o que ela mesma já expôs em alguns momentos da história.

É como se ela entregasse de bandeja para o espectador as tensões emocionais com os quais o filme se beneficiaria se deixasse mais subtendido. Na verdade, não é muito difícil olhar para essa personagem, para os descaminhos de sua existência, e não perceber de cara que ela não se cabe mais ali naquela vida, daquele jeito, que algo precisa ser diferente, nela ou no entorno.

Interpretada por uma supercompetente Hermila Guedes, nunca há dúvidas sobre as incertezas da protagonista. Mas o filme pouco tem a fazer com essa personagem, deixando para o final seus melhores momentos. É quando os caminhos da moça, que pareciam embaralhados, começam a tomar forma, surpreendem pela simplicidade com que buscam se resolver, sem se entregar a artifícios forçados, nem chegar a respostas definitivas. É quando percebemos que as coisas podem ainda se acertar, e que um filme quase perdido ainda tem algo de salvação.

Reality (Idem, Itália/França, 2012)

Dir: Mateo Garrone 

Depois de bater na máfia italiana no seu trabalho anterior, Gomorra, o cineasta Mateo Garrone lança seu olhar ácido desta vez para a sociedade do espetáculo e do culto às celebridades frívolas e instantâneas, alimentadas pela TV e pelo consumo de massa. Esse é Reality, filme surpreendentemente bem-humorado e satírico, depois do tenso trabalho anterior do italiano.  

Mas ao invés de somente criticar os reality shows, tomando como base os Big Brothers, Garrone vai ainda mais fundo. Ele tenta analisar como uma pessoa pode ser levada a se jogar nesse sonho de celebração de sua própria figura, como uma obsessão voraz por sucesso e atenção, uma forma de realização pessoal (mais até que financeira). Por isso o filme se apega a Luciano (Aniello Arena), esse pai de família carinhoso e trabalhador simples (mas também informal) que se vê mordido pela possibilidade de ser um dos participantes da versão italiana do referido programa.

Nesse percurso, o filme acompanha o processo de fascinação de Luciano, primeiro com curiosidade, depois ganhando ares de piração, sem se incomodar com as atitudes sem noção que o homem vai tomando, distanciando-o da família e amigos, em busca de uma nova realidade. Garrone filma o encantamento com uma leveza exemplar, com praticamente todos os takes do filme sendo compostos por longos planos-sequências que seguem os personagens nas cenas. Tudo evolui (ou parece declinar) para o incerto, mas o filme nunca se abala, assim como o personagem persiste, esperançoso, na sua fantasia.

E quando o título do filme surge na cena final, luminoso e imponente, depois de uma sequência de deslumbre total do personagem pelo mundo que ele passou a almejar, fica clara toda a dimensão trágica de Luciano, e toda a força de acidez crítica que Reality carrega. Pois é quando a realidade passa a ser aquilo que se almeja como possível e alcançável, e não o que está sob nossos pés, concretamente. Eis o perigo do sonho.

Além das Montanhas (Dupã Dealuri, Romênia/França/Bélgica, 2012)Dir: Cristian Mungiu   

Mesmo com presença fraca nessa edição da Mostra, o cinema romeno continua sua leva cinematográfica com vigor. Cristian Mungiu, cinco anos depois de ganhar sua Palma de Ouro pelo duríssimo 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias, volta seu olhar agora para a intolerância religiosa através daquela mesma estética de desconforto e tensão. Além das Montanhas é um retrato de uma paixão entre duas jovens que esbarra no amor de Deus.

Alina (Cristina Flutur) viaja até o convento onde sua amada Voichita (Cosmina Stratan), agora freira, entregou seu coração aos desígnios religiosos. Na tentativa de arrancar a garota do local, acaba passando por um processo de piração mal compreendida por aquela comunidade fervorosa, rígida e cega, como própria dos agrupamentos fundamentalistas. É mais um filme contundente, marcado pelo traço do incômodo.

Mas ainda assim, Além das Montanhas é um filme inchado. Suas quase três horas de duração muitas vezes soam como preciosismo, estendendo as cenas mais do que necessário, tornando uma história sem tantos desdobramentos mais arrastada do que deveria. Por isso, o ritmo irregular ajuda a tirar a força das situações que decorrem, em especial do processo de loucura que toma Alina e do irresponsável ato de exorcismo que infligem à garota.

De qualquer forma, o filme tem no plano-sequência uma preferência estética que abraça com muita segurança. Mungiu tem um olhar bastante aguçado para uma mise-en-scène cuidadosa (mas nunca meramente calculada), pois compõe o quadro com competência ímpar. Atores e objetos de cenas estão sempre bem marcados e distribuídos na tela, num trabalho caprichado de composição. E isso tudo com a câmera levemente tremulante para acentuar o clima total de desconforto que o filme carrega, até pela história em si. Mas Além das Montanhas se beneficiaria bastante se apostasse num tratamento mais enxuto.

Chamada a Cobrar (Idem, Brasil, 2012)

Dir: Anna Muylaert 

Existe um risco muito grande nesse novo trabalho de Anna Muylaert: ele não sabe se quer ser drama ou comédia. Porque se a ideia era equilibrar essas duas abordagens, Chamada a Cobrar surge como um corpo estranho que põe em cheque o limite do humor negro. Temos uma senhora (Bete Drogam) de meia idade e classe alta que cai no golpe do falso sequestro, contata por celular por um suposto traficante que teria sua filha em cativeiro.

Acompanhamos então as desventuras dessa dondoca em estado de nervos obedecendo todas as ordens do homem no outro lado da linha, dando adeus a seus cartões de crédito, senhas bancárias e montante financeiro. Da tensão inicial que coloca essa mulher em choque (o filme poderia se deter no estudo psicológico de alguém em xeque), a história encontra sempre uma brecha para injetar humor, fazer piada com o descontrole da mulher e sua estupidez em cair em toda aquela artimanha, se vendo obrigada a viajar até o Rio de Janeiro de carro a pedido do bandido, enquanto conversa com ele ao telefone.

Daí que o filme, em meio ao caos que se instala na vida da protagonista, também registra a calmaria do ambiente ao redor da personagem, das pessoas seguindo suas vidas tranquilamente, um contraponto interessante para a situação. E se existe no roteiro uma série de pontos questionáveis em termos de desenvolvimentos de ação, o filme pouco se preocupa com essas verossimilhanças, seguindo sua protagonista na ingenuidade de suas atitudes diante do temor. No fundo, há um carinho por essa personagem, mas o filme nem sempre consegue defini-lo bem, na comédia ou no drama.

Boa Sorte, Meu Amor (Idem, Brasil, 2012)

Dir: Daniel Aragão 

Do cinema pernambucano que tanto se preocupa e reflete sobre o espaço urbano em modificação enquanto lugar de convivências sociais, Boa Sorte, Meu Amor parece dar uma passo a mais nessa discussão ao incluir na equação questões histórias que remetem à tradição latifundiária e ao passado patriarcal do Nordeste brasileiro (faz isso de forma até mais contundente que em O Som ao Redor). Mas o filme é também, ou principalmente, sobre um casal de jovens (Vinicius Zinn e Christiana Ubach) que ensaiam um relacionamento, ambos tentando solidificar suas vidas, uma carreira, uma direção a tomar, agora inseridos numa urbanicidade cruel.

Se o enredo parece seguir por lugares comuns do envolvimento amoroso, logo encontra caminhos mais interessantes (e mesmo surpreendentes), brincando com algumas convenções, mas driblando-as todas. Isso porque as obstinações dos jovens, nem sempre convergentes, chocam também com esse fio de relacionamento que se estabelece. E o filme não está disposto a facilitar as coisas para seus protagonistas.

Muito bem filmado e, sobretudo, fotografado, naquele preto-e-branco intenso, Boa Sorte, Meu Amor dá chance a seus personagens, mas também os insere num contexto nem sempre favorável. O caminho de volta que eles acabam tendo de fazer, da cidade para o interior, como uma viagem na sua própria história, é uma ótima sacada do roteiro. Para além de sua pertinência no enredo, volta seu olhar para a própria herança da cultura patriarcal, latifundiária e hierárquica do Recife mais especificamente. O amor encontra no passado seu maior obstáculo.